La directora de 'Emmanuelle', Audrey Diwan, comparte los secretos detrás de su drama erótico, desde los orgasmos falsos hasta el espíritu de Wong Kar-wai

La película de Audrey Diwan, “Emmanuelle”, inaugura el Festival de Cine de San Sebastián de este año y supone una inesperada continuación de su ganadora del León de Oro, “Happening”, al menos en el papel.

En todo caso, el cineasta siguió una línea similar, utilizando una adaptación literaria para enfatizar la experiencia sensorial, en este caso la búsqueda evasiva del placer físico. “El proyecto fue uno de renovación”, dice Diwan. Variedad“Revivir sensaciones y luego compartirlas con el público”.

Actualizando la novela de 1967 de Emmanuelle Arsan, la última versión imagina a una Emmanuelle (Noemie Merlant) de unos treinta años como una especie de inspectora de control de calidad del ocio, enviada a realizar pruebas de estrés en un hotel de lujo de Hong Kong dirigido por Naomi Watts y embrujado por un misterioso huésped interpretado por Will Sharpe.

Y aunque se centra en el placer, la película a menudo deja de lado esas necesidades, centrándose tanto en la frustración como en la euforia. “El placer y su búsqueda deberían seguir siendo un misterio”, dice Diwan. “Por eso, quise explorar el tema desde mi perspectiva sin dar una respuesta universal. Como toda mujer sabe, el placer tiene una definición muy personal”.

¿Cómo decidiste emprender este proyecto después de “Happening”?

En un nivel muy personal, desconfío de la comodidad. Mi impulso creativo se basa en la pasión y el miedo, cosas que me empujan a dedicar tres años a un proyecto. Por eso, cuando mis productores me propusieron “Emmanuelle”, no me convencí de inmediato. No había visto la película original (al menos, no en su totalidad), pero la novela original me pareció fascinante. A dos tercios de la película, la narración se detiene para dar paso a una conversación de casi 100 páginas sobre la naturaleza del deseo. Eso me hizo pensar: me pregunté si el erotismo podría seguir siendo un motor narrativo relevante y cómo podrían seguir resonando estos temas de 1967. ¿Podrían traducirse estas preguntas al lenguaje cinematográfico contemporáneo?

¿Cómo es eso?

El erotismo tiene que ver fundamentalmente con el encuadre, con la tensión entre lo que se ve y lo que no. En los años 70, el deseo era mostrar más, lo que hizo que la primera película fuera tan exitosa. Sin embargo, sentí que lo que permanecía oculto era más interesante; pensé en aumentar esa tensión pidiendo al espectador que participara activamente en la película y colaborara con la historia. Pero ni siquiera eso fue suficiente para justificar el compromiso, hasta que se me ocurrió la idea de una mujer que ya no puede experimentar placer y emprende un viaje para recuperarlo. [And after “Happening,”] Me dije a mí mismo: si puedo representar el dolor, tal vez pueda hacer lo mismo con el placer.

¿Cómo hiciste tuyo este mundo?

La película trata más de una relación con el mundo que de una simple relación con el cuerpo. Al tomar a “Emmanuelle” y usarla como vehículo, dejando de lado representaciones anteriores, quise presentar una visión contemporánea, centrándome no en una joven ingenua sino en una profesional de 35 años y construyendo a partir de ahí. Ese tipo de mujer se enfrenta a un conjunto diferente de expectativas, una presión social para convertirse en su “mejor yo” aprovechando todo, buscando nuevas vistas o experiencias que, en última instancia, cuenten la misma historia. debe Disfruta y debes lograrlo, y para tener éxito debes disfrutar. Eso se vuelve bastante agotador, así que [co-writer Rebecca Zlotowski and I] Imaginé un proceso de dejarse llevar, abrir una ventana, respirar profundamente y desprenderse de esos dictados.

¿Por qué ambientar la película en un hotel de lujo?

Un hotel de lujo es un lugar vertiginoso, como pudimos comprobar durante el rodaje. El olor, la música, todo es eterno e inmutable. Si algo se mueve, vuelve a su sitio original al día siguiente. Hay una especie de vértigo en este presente eterno, una atmósfera seductora pero estéril. El caos es poco frecuente, e incluso cuando se produce, se soluciona rápidamente. Emmanuelle se convierte en un instrumento de este mundo. Trabaja en el control de calidad, asegurándose de que las experiencias de los huéspedes sean lo más placenteras posible. Pero sabe que estas experiencias son artificiales, parte de un decorado.

Tanto el entorno como la presencia de Will Sharpe recuerdan a “El loto blanco”.

Sí, es curioso cuántas películas y programas exploran este tema. No puedo hablar por los demás, pero “The White Lotus” ciertamente juega con la misma idea de apariencias e individualidad, explorando lo que se esconde debajo de la superficie. El ambiente del hotel crea distancia social y todos llevan una especie de armadura. Hay una distinción entre el yo público y lo que sucede tras puertas cerradas, mientras que el lugar cuenta una historia de soledad moderna. Nos encontramos con personas, pero no las conocemos realmente. El hotel promete algo exótico, pero de una manera que no implica un verdadero compromiso con el mundo.

En muchas de las escenas íntimas de la película, Emmanuelle aparece sola. ¿Por qué centrarse en una forma de expresión más onanista?

Eso también es un reflejo de esa relación vacía con el mundo. La gente anhela reconstruir conexiones, porque para encontrar el placer real primero hay que salir de la burbuja solitaria y tener un interés real por los demás. Al final, quería que la película explorara cómo el placer artificial puede resultar asfixiante. En algún momento, quieres liberarte de la decoración, salir del hotel donde cada interacción está codificada y escrita de antemano, un lugar con tan poca imaginación que no hay lugar para la fantasía. Ese es el momento que quería destacar: el deseo de escapar y respirar después de sentirse confinado.

La película no es una revisión feminista directa —como curiosamente ha insinuado la prensa francesa— ni tampoco es abiertamente carnal.

Los periodistas franceses a menudo describen cualquier El cuestionamiento del placer femenino como feminista. De hecho, la película “Emmanuelle” de los años 70 fue descrita como feminista exactamente por la misma razón. Obviamente, el nombre “Emmanuelle” tiene fuertes connotaciones, y quienes ya conocen mi trabajo vienen con ciertas expectativas, pero no quería hacer una película que simplemente revolucionara los códigos anteriores. Eso me parecía un poco simplista y hubiera sido una experiencia muy limitante.

Tampoco quería limitar el erotismo de la película a unas cuantas escenas de sexo. Entonces realmente me sentiría como si estuviera haciendo una mala película de deportes, ¿sabes? El erotismo, para mí, es una atmósfera. Se trata de llenar el cuadro de sorpresa y deseo. Volví a ver “La madre y la puta” de Jean Eustache mientras escribía y me di cuenta de lo erótico que puede ser el diálogo. Incluso algo tan simple como una tormenta, cuando es sensorial y se insinúa en un lugar que dice ser perfecto, puede provocar esas sensaciones.

Dado el escenario y la narrativa del flirteo prolongado, viene a la mente una cierta comparación con Wong Kar-wai.

Eso es seguro. Siempre que le pedimos a la gente que nombre una película erótica, aparece a menudo “Deseando amar”, cuando en realidad trata de gente que choca y se roza en los pasillos. ¡Y me encanta esa definición de erotismo! Además, cuando estás en Hong Kong, simplemente no puedes evitar esa referencia.

De hecho, durante mucho tiempo no pude ir a Hong Kong debido a las restricciones por el COVID. Así que busqué un hotel en Internet y decidí que era exactamente donde quería filmar. Y luego, cuando finalmente pude explorar en persona, vi 40 lugares más, pero me quedé con uno que descubrí en línea. Y un día, conocí al decorador del hotel y me dijo que había decorado el hotel con “In the Mood for Love” en mente. De alguna manera, la influencia fue inevitable y no intentamos evitarla.

¿Cómo abordaste los momentos más íntimos de la película?

Estamos trabajando en algo que no se ve. El tic físico más sincero, incontrolable y difícil de mostrar es el orgasmo. Y, sin embargo, este orgasmo femenino se representa muy a menudo -y Noémie y yo hablamos mucho de ello- de maneras que no surgirían de una mujer que hubiera vivido un momento de placer real. Tener que representar este momento es muy complicado, sobre todo porque, como actriz, Noémie estaría simulando algo que no podría parecerse a un orgasmo fingido.

Intentamos alejarnos de las representaciones anteriores, haciendo que algo que era falso sonara verdadero, y el proceso fue agotador. Filmamos toma tras toma durante toda la noche, sin sentir nunca que habíamos llegado al lugar correcto. Y luego, con el cansancio, llegó la inspiración. Noémie notó que su cuerpo se relajaba y lo aprovechó. Con la fatiga, en algún momento, ocurre algo que no se puede medir ni preparar: un suspiro y una sonrisa.

¿Cómo abordaron usted y Merlant el tema?

Hablamos de la cultura del cuerpo femenino en imágenes, ya que a las mujeres se les enseña a presentarse ante la mirada. En cierto modo, esto implica hacer un espectáculo del cuerpo, y tratamos de trabajar en contra de esta idea. Noémie busca explorar las sensaciones, emociones y experiencias internas del personaje en lugar de mostrar las suyas. Con Laurent Tanguy, el director de fotografía, buscamos capturar la imagen sin que la cámara se volviera intrusiva. El objetivo era invertir la dinámica tradicional entre la cámara y la actriz, permitiendo a la actriz explorar e investigar su cuerpo mientras la cámara la interroga e interactúa con ella.

¿Trabajar con un actor que también dirige afecta vuestra relación en el set?

Sí, así es. De hecho, tanto Noémie como Will tienen experiencia como directores, así que tuvimos una colaboración muy interesante, con muchas conversaciones sobre el encuadre. Ambos entendieron intuitivamente ambos lados de la cámara y compartieron su mirada con la mía. Fue un ejercicio fascinante.

Noémie comenzó su carrera como modelo, por lo que entiende realmente el marco y su cuerpo dentro de él, y está profundamente interesada en el tema, como se refleja en su propia película, “The Balconettes”. Centrarse en estas cuestiones la liberó; es muy libre porque sabe exactamente cómo quiere retratar el cuerpo.

Will es anglo-japonés y quería que su trabajo se centrara en sus raíces japonesas. Es igual de considerado con la representación. Mi director de casting insinuó que nos llevaríamos bien, pero no dijo nada más. Entonces, cuando finalmente lo conocí, estaba muy emocionado de compartir que se encontró en casa con sus hijos en la víspera de Año Nuevo y decidió ver “Happening” una vez que el reloj marcó la medianoche. ¡Dijo que era una señal de que comenzó el año pensando en estas preguntas!