Lionsgate ha estado ansioso por que la última encarnación de “El Cuervo” no sea etiquetada como un remake o reinicio, aunque al devolver a la vida una franquicia cinematográfica inactiva, califica como la segunda. De hecho, no es un remake, incluso si el guión esta vez se toma incluso más libertades con el material original de los cómics originales de J. O'Barr que su adaptación a la pantalla grande de 1994. Esa película está grabada a fuego en la conciencia colectiva en gran medida porque Brandon Lee murió en un accidente en el set mientras la hacía. Su gran avance profesional se convirtió en un monumento que habría sido poéticamente morboso incluso sin el sello de la tragedia de la vida real.
Las comparaciones impulsadas por el favoritismo sentimental rara vez son más halagadoras, por lo que es comprensible que el estudio esperara desterrarlas lo más lejos posible. Ya iba a ser una lucha cuesta arriba para un proyecto que llevaba mucho tiempo en ciernes y que pasó por numerosos directores, guionistas y estrellas durante la última década y algo más antes de llegar a este producto terminado, con algunos fanáticos leales y primeros críticos afilando sus cuchillos para matar. Pero si eres capaz de sacarte de la cabeza las “Cuervos” anteriores, la película del director de “Blancanieves y el cazador”, Rupert Sanders, funciona en gran medida en sus propios términos: como un thriller de fantasía onírico que es sangriento pero extrañamente atractivo.
De ritmo más lento que la mayoría de los programas de entretenimiento para palomitas de maíz de la actualidad, tiene un tono menos superheroico, pop gótico o de artes marciales de lo que los espectadores pueden esperar de las entregas anteriores. La historia de venganza y amor elegante pero dislocada de esta reinvención no es un éxito seguro, pero tampoco es un fracaso imposible de ver.
O'Barr concibió la serie de cómics (que comenzó a publicarse en 1989) para expresar el dolor y la rabia tras la muerte de su prometida en un choque con un conductor ebrio. Tanto en la novela gráfica como en la exitosa película de Alex Proyas, los malos son delincuentes urbanos de baja calaña, patanes caricaturizados que se encuentran a medio camino entre “Dick Tracy” y una secuela de “Death Wish”. Sin embargo, aquí, el guión de Zach Baylin y William Schneider convierte a los villanos en malvados ricos y pervertidos demasiado bien conectados como para afrontar las consecuencias de sus crímenes, algo similar a lo que ocurre al comienzo de “Blink Twice”.
En una ciudad sin nombre, Shelly (la estrella del pop británico FKA Twigs) es una cantante en ascenso que se siente atraída imprudentemente por la escena hedonista financiada por el magnate Vincent Roeg (Danny Huston), que siempre está a la caza de nuevos talentos. En sus fiestas, la gente buena parece obligada a hacer cosas malas. Cuando sus amigos Zadie (Isabella Wei) y Dom (Sebastian Orozsco) registran pruebas de tales actos, son descubiertos rápidamente, poniendo a todos en peligro. No hay que meterse con Roeg: literalmente vendió su alma al diablo, ganando longevidad y un estilo de vida lujoso a cambio de enviar las almas de los “inocentes” corruptos a ya saben dónde. “Vas al infierno para que yo no tenga que ir”, le dice a la desafortunada Zadie.
Tras huir de sus matones (principalmente personajes interpretados por Laura Birn, David Bowles y Karel Dobry), Shelly consigue que la arresten y se asegura de que la policía la envíe a un extravagante centro de rehabilitación estatal. Allí conoce a Eric (Bill Skarsgard), un solitario larguirucho y angustiado que decide que le gusta (¿y por qué no?). Con su corte de pelo a lo salmonete, su infinidad de tatuajes y su aire dulce y sardónico, Eric, que a menudo va sin camiseta, es como Pete Davidson con un entrenador personal de primera clase. Estos dos supuestos inadaptados parecen gente fiestera agradable y atractiva, del tipo de personas cuyo exceso de ropa y alojamientos disponibles no se explican con ningún ingreso evidente o historia de fondo. Su conexión relajada se acelera cuando resulta que la cárcel de rehabilitación tampoco está a salvo de Roeg y compañía.
Los dos escapan y su química se va acumulando durante lo que es más o menos un largo montaje de enamoramiento (este “Cuervo” se toma su tiempo para llegar a la parte de la venganza, a diferencia de las entregas anteriores de la franquicia que relegaban los momentos felices a flashbacks). Pero la villanía finalmente alcanza a la pareja, que es asesinada. Eric luego se despierta en un limbo con un paisaje industrial donde una entidad llamada Kronos (Sami Bouajila) le informa que está muerto… con una salvedad.
Algunas almas, le dicen, son guiadas por un cuervo hacia una vida después de la muerte. Otras, demasiado agobiadas por asuntos pendientes, encuentran a su ave volando de regreso al plano mortal. Mientras esté protegido por la pureza de su amor afligido, Eric puede recuperarse (aunque sea dolorosamente) de cualquier castigo que los ejecutores de Rogue le impongan. Pasa la segunda mitad de la película abriéndose camino letalmente por esa cadena de mando, que culmina en un elaborado y salpicado enfrentamiento de un hombre contra un soldado raso intercalado con una actuación operística. (Ese teatro de ópera debe tener una insonorización increíble, ya que los espectadores no se dan cuenta de los disparos incesantes justo afuera del auditorio). Esta secuencia recuerda a los ballets de balas culminantes de “Cotton Club” y “El Padrino Parte III” de Coppola, logrando algo de su bravuconería consciente.
Es una buena escena, y hay una despedida decente un poco más adelante para Roeg, cuyo apodo es sin duda una broma cinéfila. En otros momentos, “El cuervo” de Sanders puede carecer de urgencia, pero no parece apuntar a ella. Tampoco tiene una verdadera profundidad de emoción, a pesar de la nueva idea de Eric de que puede rescatar a Shelly del inframundo, como Orfeo y Eurídice. En cambio, la película tiene una especie de cualidad desconcertante y flotante que solo ocasionalmente parece floja.
La macabra crudeza de los cómics y la claustrofobia ornamentada de la primera película dan paso a un aspecto más elegante y etéreo, conjurado por las composiciones de pantalla ancha del director de fotografía Steve Annis, las localizaciones bien elegidas en Praga y Alemania, el diseño de producción de Robin Brown (que ha citado “Stalker” de Tarkovski como una de sus inspiraciones) y los divertidos vestuarios de Kurt y Bart. Los efectos visuales especiales son moderados, aparte de ese cuervo omnipresente.
Aunque la visión de la era grunge de Proyas no le gustaba a MTV, el estilo y el ambiente aquí tienen un sabor muy diferente, algo elevado. Incluso cuando la violencia es muy “hard R”, hay poco sentido de diversión pulp escabrosa. Es bastante satisfactoria, pero tiene un efecto semidesprendido, no muy diferente de las opciones de la banda sonora, que se inclinan hacia cortes ligeramente incongruentes de los 80 de Joy Division, Gary Numan y similares, en lugar del estilo brutal y agitado de Brandon Lee con sus acrobacias. Las actuaciones son efectivas en formas que son bastante discretas dada la escasa escritura de los personajes, evitando pinceladas demasiado generales.
Probablemente no habrá muchas más películas de este estilo, ni siquiera Skarsgard debería repetir el papel. Aun así, su interpretación del delineador de ojos y la de Sanders (un estilo característico del héroe que, de hecho, no aparece hasta más tarde) es, como mínimo, la mejor película de “El cuervo” estrenada desde aquella otra. Por supuesto, las secuelas intermedias fueron horribles, pero la “reinvención” de 2024 tiene personalidad y estilo suficientes para satisfacer… al menos si no estás pegado al espejo retrovisor.
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